BLACKWOOD

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , , on agosto 2, 2018 by Gonzalo Contreras

LA RESIDENCIA

Una mansión de estructura gótica perdida en los páramos de un nebuloso bosque, institutrices de porte noble, rígido carácter y enigmáticas intenciones y un grupo de damiselas en apuros, inconscientes de los peligros que se esconden entre las paredes del viejo caserón. Un soporte argumental, a priori, de extremada sencillez y poca efectividad, carente de especial complejidad en la gran pantalla y, sin embargo, pletórico de sugestivas ideas cuando aquellos elementos expositivos que le rodean (ambigüedad, represión, despertar abrupto de la cándida adolescencia y fatalismo) cobran vida gracias a la extensión conceptual de su punto de partida. La residencia y Suspiria serían, posiblemente, los dos mayores logros de esta temática: primero, por la capacidad innata de perversión y morbosidad latente en el caso de la obra maestra de Serrador y de los juegos cromáticos impuestos por Argento; segundo, y esto es un mérito compartido por ambas, su sobrecogedora puesta en escena y la poética que habita en sus entrañas, impuesta por unos cineastas que, además de comprender los entresijos del misterio y la anticipación, poseen la semilla del horror en sus venas.

El director Rodrigo Cortés, basándose en una novela americana de los años sesenta escrita por Lois Duncan, artífice de éxitos juveniles, posteriormente adaptados al cine, como Sé lo que hicisteis el último verano o la reivindicable Secuestrando a la Srta. Tingle, propone en BLACKWOOD una muy interesante y sugestiva vuelta de tuerca a esta manoseada premisa (en este caso, las muchachas son el conejillo de indias de un inquietante programa educativo) eliminando la naftalina de sus páginas para regocijo de las nuevas generaciones sin que ello interfiera en el espíritu del relato. De hecho, la base sobrenatural, en donde la supremacía del Arte es capaz de rasgar las vestiduras del tiempo, supone un auténtico bombón cinematográfico lleno de posibilidades audiovisuales y narrativas (no empero, haría las delicias de la mítica Hammer), bien aprovechadas por un director que, cuando quiere, y coincidiendo con los momentos más potentes y tenebrosos del film (con referencias, intencionadamente o no, a las dos joyas citadas en el primer párrafo), huye de los clichés y los estereotipos propios del público al que va dirigido guiñando el ojo a un espectador más adulto, instruido principalmente en los dominios propios del género.

El producto final es un trabajo muy superior al repertorio teen actual de sorprendente aliento onírico, arriesgadísimas pretensiones (como muestra, su controvertido aquelarre conclusivo) y plausibles propósitos: aproximar a los jóvenes un terror menos físico y más abstracto, elegante y añejo.

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MISIÓN IMPOSIBLE: FALLOUT

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , , on julio 26, 2018 by Gonzalo Contreras

LA CIMA DE LA SERIE

La saga de Misión: Imposible es una auténtica rara avis dentro del panorama actual: al contrario de lo que suele ocurrir en la mayoría de los casos, sus secuelas, en lugar de quedar enclaustradas en la fórmula explotada en la primera parte, han sabido renovar el material de origen hasta convertirse en blockbusters con sello propio, asombrosamente funcionales en sus propósitos y en las demandas exigidas por los espectadores en cada una de las décadas en las que se han desarrollado (recordemos que la original data de 1996).

Las aventuras comenzaron de la mano de un De Palma menor; brillante en la dirección, la cinta tropezaba con un mediocre guion que hacia aguas en un tramo final calamitoso en su acabado artístico (memorable, para mal, un desenlace en el que un helicóptero y dos trenes de trayectoria opuesta se encontraban a toda velocidad en el interior de un reducido túnel de montaña). John Woo, en la segunda y peor entrega del repertorio, imprimió el estilo de su trepidante Cara a cara con infumables resultados. Por fortuna, J.J. Abrams y Brad Bird, directores de la tercera y cuarta respectivamente, allanaron el terreno con audacia aportando conceptos y diseños mucho más interesantes y menos manoseados de lo visto hasta entonces. No eran grandes cintas, pero sí un comienzo realmente prometedor.

Y llegamos por fin a Christopher McQuarrie. Ganador de un Oscar por su formidable libreto de Sospechosos habituales, ha demostrado, tanto en la anterior como en esta nueva película, grandioso divertimento a mayor gloria de su actor protagonista, ser el cineasta idóneo para actualizar las hazañas del ya mítico agente Hunt. ¿Su secreto? Invertir muchos de los conceptos estipulados en la serie (tanto televisiva como cinematográfica), desprendiéndose de la narrativa clásica en favor de la epopeya más frenética, canalla y (si se quiere) delirante y de los hilos que le unían innecesariamente a los segmentos marcados por la cultura popular impresa por James Bond. Dichas pérdidas, lejos de considerarse un lastre, otorgan a la cinta una nueva dimensión gracias a un aliado inmejorable: un sólido e hiperactivo guion provisto de sorpresas, humor, giros argumentales y enloquecidos golpes de efecto.

Y luego está la planificación de sus secuencias de acción, es decir, el 90% del metraje. Con Cruise en su salsa, Henry Cavill en su actuación más elogiable hasta la fecha y Rebeca Ferguson devorando plano en cada aparición, MISIÓN IMPOSIBLE: FALLOUT constituye un impresionante y adictivo parque de atracciones visual que deja literalmente con la boca abierta, ya sea por sus apuntes cinéfilos (la pelea en el cuarto de baño al más puro estilo Mentiras arriesgadas) como por la ejecución de sus espectaculares escenas (la carrera en moto por París, la impagable secuencia del Halo, un salto en paracaídas real efectuado por el propio intérprete), formando, junto a Nación secreta, uno de los mejores dípticos del género vistos en los últimos años.

CON AMOR, SIMON (Love, Simon)

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , on junio 17, 2018 by Gonzalo Contreras

SECRETOS DEL CORAZÓN

Hay cintas elaboradas desde el corazón. Tan humildes, tan necesarias en sus propósitos, que es muy difícil desgranar los defectos de fábrica que puedan presentar. Son las llamadas películas “bonitas”, relatos protagonizados por personajes y situaciones corrientes, muchas de ellas fácilmente identificables y casi siempre defensoras, desde una perspectiva abiertamente comercial, de los valores familiares y de amistad, que generan una complicidad con el espectador incompatible con cualquier aspiración crítica.

En muy contadas ocasiones, esas películas “bonitas”, además, brillan por méritos propios. No porque carezcan de las comentadas imperfecciones, sino porque sus atributos cinematográficos (narrativa, interpretaciones y dirección) están tan magníficamente licuados y dosificados que cualquier carencia que puedan presentar no merece ser recogida por el crítico en cuestión. La reciente Wonder sería un ejemplo de esta ecuación perfecta: una historia plagada de ternura y optimismo (con el delicadísimo tema del acoso escolar como telón de fondo) en donde la ausencia de mayor carga dramática (y, por tanto, de realismo y reflexión), más que un defecto, se convertía en una encomiable virtud.

Lo mismo ocurre con LOVE, SIMON. Cuenta las vivencias de un joven de dieciséis de años, popular entre sus compañeros de instituto, feliz a ojos de su entorno más cercano, que oculta su homosexualidad por miedo al rechazo y la incomprensión. Nada nuevo bajo el sol. Lo insólito del caso, más allá de que una productora de renombre haya apostado por la valía del libreto, reside en la candidez y ligereza (y, paradójicamente, osadía) de su planteamiento: en vez de apostar por enfoques narrativos de corte independiente y de hacer mella en la descripción, con pelos y señales, del calvario de nuestro héroe, el film, basado en la novela homónima de Becky Albertalli, se ajusta brillantemente a los parámetros marcados por las high school románticas americanas adaptándolos a la orientación sexual del protagonista y enfatizando, como no podía ser de otra manera, todos los tópicos presentes en dicho subgénero (amores no correspondidos, inoportunos malentendidos, exaltación de la amistad verdadera y uso de fórmulas con reminiscencias a los cuentos de hadas). Es efectista y en cierto modo manipulador (familia bien, contexto social cuanto menos idílico), pero también tierno y sensible; es amable y descafeinado, pero escapa, con éxito, del panfleto y la sensiblería gratuita; es comercial y estereotipado, pero sabe conectar con las emociones de los espectadores, tanto que debería proyectarse en las aulas escolares. Los males, ya ven, son eclipsados por sus cuantiosos atractivos fílmicos.

Pero si por algo destaca esta preciosa historia es por la valentía que poseen sus aspiraciones. Se trata de un largometraje que habla el lenguaje de los jóvenes, que busca la concienciación, el respeto y la aceptación, suponiendo un bálsamo cinematográfico para tantos adolescentes que estén pasando por una situación similar a la descrita por su personaje principal. Y eso ya supone un pequeño (gran) milagro.

HEREDITARY

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , on junio 16, 2018 by Gonzalo Contreras

LA DESMEMBRACIÓN DEL MAL

Polanski, con su imprescindible La semilla del diablo, máximo exponente de la sugestión, del principio de “sugerir pero no mostrar”, construyó los cimientos de base. Friedkin, artífice de la no menos indispensable El exorcista, potenció, desde la óptica de la posesión demoníaca, la idea de impregnar el horror cinematográfico de una veracidad palpable, adoptando nuevas formas conceptuales desconocidas hasta ese momento. Por primera vez, y lejos de las normas corpóreas propuestas por maestros como Browning o Fisher, el Mal se convertía en un Ente abstracto, fuera de nuestro dominio racional y omnipresente en un entorno que nos resultaba demasiado cándido y familiar, ya fuera un céntrico edificio con vistas a un parque de ensueño o un adosado situado en un apacible barrio burgués. Y cuanto menos apreciábamos su aspecto tangible, más podíamos sentir el aliento de su probada ferocidad.

Con estas dos ilustres referencias, comenzaba, en pleno torbellino de cambios socioculturales, la edad de oro del cine de terror moderno. Resulta curioso, pues, que en el actual resurgimiento de la temática, exultante principalmente en sus novedades de alas sobrenaturales, esta época se haya convertido, para no pocos cineastas (con James Wan y sus añejas Expedientes Warren como buques insignia), en el mapa angular sobre el que tejer historias ricas en escalofríos y sobresaltos, en ideas que, más que plasmar el foco de la inquietud, se asientan en la imaginería implícita perpetrada por los artífices de la Vieja Escuela. No se trata de ejecutar un mero corta y pega, sino de adecuar, desde la renovación de las mismas fuentes, sus brillantes hallazgos a las demandas propias de los nuevos tiempos.

El cineasta Ari Aster se suma, con la propuesta que nos ocupa, pletórica también de referencias plásticas setenteras (principalmente, de la memorable e incomprendida Amenaza en la sombra), a esta esperanzadora corriente actual. En una de las óperas primas más redondas que se recuerdan, superior incluso al debut perpetrado por Robert Eggers en la magistral La bruja (con la que comparte fondo y forma), ha creado un fascinante cuento de fantasmas (o no) facturado a la vieja usanza, terrorífico desde la contención y la (supuesta) calma, vibrante en sus insinuaciones conceptuales y en donde sus piezas, imposibles de descifrar durante el visionado, adquieren una abrumadora solidez en los últimos y alucinógenos minutos de función.

En HEREDITARY no hay hueco para efectismos, para el impacto de imágenes gratuitas, para los tópicos acartonados y corrosivos del género. El verdadero horror nace de la ambigüedad de sus distanciados personajes, de las vueltas de tuerca cocinadas a fuego lento que su magnífico guion brinda a lo largo de la historia, de los movimientos y juegos de cámara (sobresaliente el uso de los encuadres y cambios de foco) confeccionados por su prometedor director, compartiendo, durante buena parte del metraje, la reflexión última que atormentaba a Polanski en sus trabajos más provocadores: la inseguridad de no saber si estamos ante un relato fruto de una neurosis paranoica o, por el contrario, dominado por unos demonios de naturaleza inexplicable.

Rebosante de momentos icónicos (la mascletá final, el tic vocal de la benjamina, los visitantes nocturnos que evocan a los condenados de la memorable La centinela) e interpretada espléndidamente por Toni Collette, metamorfoseada en la Shelley Duvall de El resplandor, Aster se reserva, además, un matiz visionario: representar la escenografía de la película como si sus protagonistas fueran títeres de una inmensa maqueta, un planteamiento ya explorado mínimamente en una secuencia de la obra maestra de Kubrick (aquella en la que Torrance observa a su familia deambulando por la miniatura del laberinto) y culminación, precisamente, de los estandartes más reconocidos del cine diabólico al que tanto homenajea: el Mal como una presencia desmembrada, que todo lo sabe y escucha, que nos observa y controla. Los personajes, y por ende el espectador (voyeur, además, de todo lo que acontece), somos meras marionetas de algo mucho más oscuro, de fuerzas que escapan a nuestro control.

BASADA EN HECHOS REALES

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , on mayo 31, 2018 by Gonzalo Contreras

LA MUSA

Desde sus primeras piezas polacas, pasando por la imprescindible trilogía de los apartamentos (Repulsión, La semilla del diablo y El quimérico inquilino, en orden ascendente en calidad) hasta llegar a sus coqueteos con el mejor cine erótico de los noventa (la morbosa y sugerente Lunas de hiel) y teatral (La venus de las pieles), el director Roman Polanski ha sabido sintetizar en toda su excelsa obra un universo propio cargado de simbolismos y juegos de espejos en donde la sugerencia (y, por ende, la elegancia), casi siempre mucho más sobrecogedora que la evidencia, se ha alzado como bandera oficial de su personalidad fílmica. El formato cambia, sus historias varían según el género, pero en casi todas ellas, en las mejores, se contemplan los mismos intereses, encabezados por la fatalidad, la ambigüedad moral de sus personajes y, sobre todo, la necesidad casi enfermiza de plasmar, desde la óptica del paroxismo, los límites de nuestra propia locura.

La retorcida y complejísima BASADA EN HECHOS REALES no es una excepción. Delphine, una mujer atrapada en las mieles del éxito, más terapeuta que escritora para sus fieles lectores, se enfrenta al síndrome de la página en blanco. Su mayor deseo es cristalizar sobre el papel su obra maestra, aquella que habita en los recovecos más oscuros de su pasado, pero el terror de enfrentarse a los fantasmas de antaño es más poderoso que la inspiración. Un día, aparece en su vida Ella, una enigmática admiradora con la que establecerá un fuerte vínculo emocional. En ella canalizará sus miedos, sus dudas, su frustración. Y en ese proceso supuestamente rehabilitador, paralelo al progresivo dominio físico e intelectual ejercido por tan atípica musa (¿o será al revés?), las palabras empezarán a brotar en la mente de la novelista.

Apoyándose en las magnéticas caracterizaciones de Emmanuelle Seigner y Eva Green, una femme fatale cuya sobreactuación incentiva la atmósfera malsana del film, Polanski dirige con mano de hierro este brillante relato esquivando la sombra de los artificios, los finales sorpresa y las malas prácticas aprendidas de realizadores como Shyamalan (de hecho, no duda en exhibir las cartas desde los primeros minutos) y haciendo uso de sus consabidas obsesiones, narrativas y formales: por un lado, el empleo de una estructura de naturaleza circular (si en La semilla del diablo empezábamos y acabábamos en los exteriores del edificio Dakota aquí ocurre lo propio en sendas firmas de libros) y de una estética de corte tradicional, descarada en sus referencias cinéfilas (de Misery a ¿Qué fue de Baby Jane?); por otro, su apego a las metáforas (el sótano, impregnado de matarratas, como descenso a los infiernos de nuestra heroína) y al pilar universal sobre el que se sustenta gran parte de su trayectoria: la transposición de la realidad palpable y la fantasía de índole esquizofrénica. Nada en esta película está injustificado, todo en ella rebosa inteligencia, oficio y calidad.

Recibida tibiamente en el Festival de Cannes de 2017, el tiempo será el encargado de poner en su sitio las virtudes de este extraordinario film. Lo mismo le ocurrió al cineasta polaco con otra pieza suya rodada en Francia. Se titulaba El quimérico inquilino, película que, por cierto, comparte algún que otro atributo con esta producción. Y a día de hoy es una obra maestra incontestable.

LOS EXTRAÑOS: CACERÍA NOCTURNA

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , on mayo 28, 2018 by Gonzalo Contreras

ADIVINA QUIÉN VIENE ESTA NOCHE

Adherida a la corriente de cine con intruso, Los extraños, ópera prima del hoy desconocido Bryan Bertino, dividió en su estreno a los espectadores afines al terror fílmico de forma radical: algunos vieron en ella el soplo de aire fresco que demandaba el género desde los tiempos de Scream. Vigila quien llama; otros, una tomadura de pelo a mayor gloria de los encantos de la actriz Liv Tyler; y entremedias, y sin hacer mucho ruido, estábamos los que la consideramos un fast-food tan olvidable como estimable, de estupendo acabado técnico (y más para una propuesta de limitado presupuesto como era el caso), no especialmente aterrador pero sí eficaz en sus propósitos, cuyo mayor problema residía en que, en realidad, no era más que la respuesta comercial y hollywoodiense a la estimulante Funny games de Michael Haneke. Una película que, por cierto, sí que daba verdadero miedo.

Diez años después de aquel intento de resucitar el slasher, el realizador Johannes Roberts, famoso en el gremio por sus inenarrables incursiones en el universo de los escalofríos (suyas son las espeluznantes, en el mal sentido, El otro lado de la puerta o 47 metros), presenta una secuela tardía de la producción interpretada por la mencionada Liv Tyler y Scott Speedman. Basada, supuestamente, en un caso real (los archiconocidos asesinatos de Sharon Tate y sus comensales sirven de plantilla oficial para este tipo de seriales), la fórmula que presenta, copia y pega de la original, la hemos visto tantas veces como alcanza a recordar nuestra memoria: una familia descansa plácidamente en un camping aislado de todo ser viviente. La oscuridad de la noche solo se rompe por la luz que proyectan las farolas y la propia roulotte. Al poco tiempo, aparecen tres siniestros personajes encapuchados de las sombras. Y con intenciones poco halagüeñas.

La cinta, como era de esperar, no escapa ni de los convencionalismos ni de las arbitrariedades propias de este campo cinematográfico: golpes de efectos gratuitos, nula expansión de su argumento más allá del juego del gato y el ratón y repetición hasta la extenuación de los esquemas tácticos de la primera entrega (incluyendo la insidiosa torpeza de sus personajes principales). Eso sí, detrás de sus manidos y agotadísimos clichés, y unido al placer culpable que proporciona casi siempre la ejecución de estas, progresivamente, delirantes propuestas (los devotos del horror no tenemos remedio), su agradecido aroma a serie B y los desvergonzados y explícitos homenajes que proyecta sobre algunas cintas icónicas (Scream y La matanza de Texas, esta última en un instante final casi calcado), habita el embrujo de algunas escenas brillantemente rematadas. Y entre ellas, por su nostalgia, la osadía de su planificación escénica y el contraste de su sinfonía declaradamente romántica con algunas dosis de violencia gráfica, destaca la excepcional secuencia protagonizada, a escala vocal, por la incombustible Bonnie Tyler.

El director, conocedor de los encantos vigentes en estos minutos, vuelve a reincidir fotocopiando su propia receta en un descontroladísimo final que evoca, agárrense, a un momento concreto de la infravalorada Christine de John Carpenter. No obstante, la eficacia del invento, divertidamente, permanece impoluta. Y es que, ¿quién puede resistirse a los encantos de una buena carnicería humana al son, en esta ocasión, de la maravillosa y ochentera Making love out of nothing at all?

DISOBEDIENCE

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , on mayo 23, 2018 by Gonzalo Contreras

ÁNGELES Y DEMONIOS

El prólogo de DISOBEDIENCE, última parte de esa especie de trilogía dedicada a la mujer perpetrada por el director Sebastian Lelio (tras la estupenda Gloria y la menos conseguida, aunque loable, Una mujer fantástica), nos da ciertas pistas de las intenciones de esta sugerente y espléndida película, aunque tal vez la magnitud de tan excitante premisa no se vislumbre hasta bien acabada la historia: un viejo rabino, de esos que aparentan tanta sabiduría como aptitudes anacrónicas, divinidad para su rebaño de fieles, recita un sermón de la vieja escuela en donde se dan cita ángeles, bestias y seres humanos como creación última del Dios Supremo. Cada uno con unas características bien definidas, cada uno con una función que desempeñar a lo largo de los siglos. Tras la oratoria, el maestro cae fulminado ante la estupefacción de los presentes. Un infarto. Lo que viene a partir de ese momento es una alteración del orden establecido por la comunidad, de sus leyes y sus códigos preservados desde tiempos inmemorables y fundamentados en la culpa y el remordimiento, de los compromisos entonados por el maestro a sus queridos súbditos. Larga vida al rey.

Como en la descripción del discurso de presentación, y con ciertas similitudes compartidas a gusto de la imaginación del espectador, tres son los personajes que conforman esta sentida historia de amor: por un lado, el matrimonio formado por Dovid, sucesor del anciano y fiel servidor de la Palabra, amamantado bajo la caducidad de los dictámenes ortodoxos, y Esti, una mujer atrapada en el fanatismo religioso que sobrevuela su existencia desde niña; por el otro, y como manzana de la discordia, aparece en escena Ronit, hija del fallecido rabí, una mujer de ideas liberales contraria a la enseñanzas de su padre y antigua amiga (con derecho a roce) de Esti. Tradición, obediencia y tentación codo con codo.

Lo curioso del caso es que, lejos de escoger una estética transgresora acorde con las notas de su propuesta y un tono marcado por la estridencia y los desvaríos trágicos de última hora, Lelio opta por imprimir una narrativa abiertamente clásica dominada por la sutileza visual. Menos académica que la vista en la extraordinaria Carol, pero lo suficientemente equilibrada como para hacer las delicias del cinéfilo más exigente. Incluso, este valiente relato sobre la libertad de elección, lúcido en sus diálogos de calado feminista (“las mujeres cambian de nombre. Adoptan el de su marido y olvidan su historia”), plausible en el espectacular trabajo de sus protagonistas (Weisz, una vez más, supone todo un ejemplo de dramatismo y contención) y en sus temeridades simbólicas (los juegos de pelucas que ocultan la identidad sexual no declarada), se atreve a mirar de reojo al suspense setentero y desdoblado del mejor Brian De Palma. Y con resultados óptimos.