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PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , , , , on mayo 22, 2017 by Gonzalo Contreras

EN AGUAS INESTABLES

Contra todo pronóstico, una epopeya de piratas y bucaneros, cuyo origen argumental nacía (agárrense) de una barraca de feria de Disneyworld, se convirtió, por derecho propio, en el gran éxito estival de 2003. Se titulaba Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra. La brillante conexión de elementos narrativos, fusionando el homenaje al cine clásico de aventuras más familiar (algo que intentó atrapar, sin éxito, Roman Polanski en su fallida Piratas) con aspectos de rango sobrenatural, su frenético ritmo, marca del director Gore Verbinski, y un Johnny Depp en su salsa (fue, justamente, nominado al Oscar por su caracterización de Jack Sparrow) obraron el milagro y transformaron esta historia ridícula sobre papel en un espectáculo extraordinario, directo al corazón de nuestro niño interior, tanto que marcó a toda una generación de chavales e impulsó, cómo no, la pertinente sucesión de innecesarias secuelas.

Las dos primeras, prolongación de la trama original, de irrecordables sobrenombres y excelsa duración, incidían en la vertiente mastodóntica y circense de la original con sus correspondientes pros (montaje trepidante, carisma de personajes ya reconocibles por el público) y contras (falta total de lógica interna). La ya penúltima, en cambio, supuso uno de los despropósitos más sangrantes que se recuerdan en la industria actual, tan terriblemente mal resuelta que parecía que, con ella, habría llegado el punto final de la saga. Pero sus cifras en taquilla eran demasiado golosas como para dar carpetazo a tan apreciado manjar.

Una de las cosas más positivas que se puede decir de PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR es que sí, para regocijo de los fans, esta quinta entrega de la multimillonaria fórmula es más potable que la funesta e inconexa aventura coprotagonizada por Penélope Cruz. De hecho, y aquí radica su acierto más visible, retoma no sólo la trama de la trilogía inicial, sino también su espíritu fanfarrón, veraniego y declaradamente nostálgico y bonachón. Eso sí, también posee las deficiencias propias de un esquema vilmente explotado. Redundante en su esquema, con momentos y diálogos capaces de sonrojar al espectador menos exigente (el cameo de Paul McCartney, la inenarrable escena de la boda, la necesidad de atribuir aventuras irrisorias a célebres personajes históricos), la película, ausente de cualquier sugestiva sorpresa, parece como si se hubiera ido inventando sobre la marcha. Pero si hay algo que resulta asombroso, y no precisamente en el buen sentido, es comprobar cómo lo mejor de la primera parte es, aquí, el detalle más irritante. Me refiero a la insufrible interpretación del mismísimo Depp, en otros tiempos actor capaz de dotar a sus personajes de una inquietante y cautivadora personalidad, hoy fiel reflejo en pantalla de los excesos (internos y extracinematográficos) y el encasillamiento interpretativo.

DÉJAME SALIR (Get Out)

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , on mayo 17, 2017 by Gonzalo Contreras

ADIVINA QUIÉN VIENE ESTE FIN DE SEMANA

Pocos autores literarios han captado, con tanta maestría, la maldad y el doble rasero del ser humano como el norteamericano Ira Levin. Sus ambientes idílicos descritos, rebosantes de flores en agua, vecinos edulcorados y barrios color pastel, eran, en realidad, la tapadera perfecta en la que se ocultaban auténticos monstruos de fachada cándida e inteligencia diabólica. Visionario y crítico con los nuevos estilos de vida burgueses, ofrecía un tipo de suspense, adecuado en la cotidianidad, tremendamente innovador en la América de finales de los sesenta, corrompiendo (para disgusto de los sectores más retrógrados) el reverenciado sueño americano e instaurando, de rebote y por medio de Roman Polanski (suya es la novela que daría germen a la obra magna del director, La semilla del diablo), los cauces que empezaban a descubrirse en la cinematografía de terror de la época.

Variante de uno de sus libros más representativos, The Stepford wives, la sugerente DÉJAME SALIR se deja empapar, en sus mejores momentos, de la esencia paranoica y de apariencias visualizada por el genial escritor, jugando sus bazas en dos temáticas muy concretas: el horror y la comedia. En una de ellas obtiene resultados óptimos; en la otra, bastante discutibles.

Como relato de género, la película, reverso tenebroso de Adivina quien viene esta noche, la magistral obra que protagonizaran unos otoñales Spencer Tracy y Katherine Hepburn (y cuyas intenciones eran, divertidamente, opuestas a las aquí narradas), destaca por la ejecución de las escenas de tensión, en verdad brillantes, y su capacidad de crear desasosiego haciendo uso de los mínimos elementos. Es inquietante, angustiosa y realmente perversa si se lo propone, detalles que se agudizan gracias a la lúcida descripción que realiza de la sociedad norteamericana post-Obama y su hipocresía en cuestiones de índole racial (sin duda, lo mejor del film). En cambio, cuando juega en el terreno de la sátira y olvida (intencionadamente o no) los patrones marcados por autores como Levin, la firmeza de la propuesta desaparece en favor una comicidad incompatible con los escalofríos dibujados hasta entonces. Un humor estereotipado, en ocasiones zafio, propio de la black comedy estadounidense. Lo que para muchos será el contrapunto ideal para una historia que, ya en su clímax final, se torna delirante y exagerada (su otro talón de Aquiles), para otros, entre los que se encuentra el que esto suscribe, se convierte en un lastre que impide al largometraje apuntar hacía cotas más elevadas. Y, desde luego, revolucionarias.

ALIEN COVENANT

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , on mayo 10, 2017 by Gonzalo Contreras

SIN RASTRO DEL OCTAVO PASAJERO

Recuerdo, con especial nitidez, la primera vez que vi Alien, el octavo pasajero. Era una gélida madrugada de Nochevieja y yo, con apenas 8 años (siempre fui muy precoz en los menesteres del terror) me moría de curiosidad por descubrir qué se escondía en una película que había conseguido, para mi asombro, la máxima puntuación en la sección televisiva del periódico dominical, algo impensable en un género vapuleado desde siempre por la crítica especializada. Prometía gritos, noches en vela, incesantes momentos de angustia y congoja. A caballo entre la actualización del cine de monstruos de los años cincuenta y la reformulación de los viejos seriales basados en la temática de caserón con espeluznante inquilino trasladado al espacio exterior, la corpulencia de su puesta en escena, así con la asfixiante verosimilitud de sus imágenes, dejaron clavado en el sofá a aquel niño de mente inquieta pero demasiado inocente como para soportar las carnicerías perpetradas por tan emblemático xenomorfo. Su habilidad para introducirse en nuestros miedos, sugiriendo más que mostrando el germen del horror, crearon en mí un estado de desasosiego desconocido hasta entonces. Y, por supuesto, de abrumadora fascinación.

Revisionada hasta la extenuación (siendo capaz de agilizar algunos de sus diálogos en mi memoria), la cinta, a día de hoy, no ha perdido un ápice de su esencia, de su abrasadora fuerza. Al contrario, la gran cantidad de productos alternativos originados de su éxito (es, junto con Psicosis y El exorcista, el largometraje más mancillado del género), la magnífica dosificación del suspense y la dirección de un Ridley Scott en plena forma, palpable en sus innumerables hallazgos visuales, han otorgado mayor poder si cabe a esta aterradora fábrica de pesadillas nocturnas. Desgraciadamente, ni sus secuelas (a excepción de la primera, la muy divertida Aliens) ni su spin off, la fallida (aunque digna) Prometheus, han estado a la altura de un relato, siendo justos, difícilmente superable.

En principio, ALIEN COVENANT, nuevo capítulo de la saga, nace con el propósito de subsanar los errores acaecidos en pasadas entregas, demandado una vuelta a las raíces y a los terrores que habitaban en los pasillos de la inolvidable nave Nostromo. Al menos, así nos lo habían vendido. No obstante, y contra todo pronóstico, Scott traiciona el espíritu de la original (las monster movies de Serie B ya mencionadas) en favor de la ampulosidad y los derroteros filosóficos y pseudoexistencialistas marcados en la anterior precuela. Un tremendo error que se acentúa por el descontrol de temas y la falta de identidad que el director proyecta sobre la pantalla: por un lado, con sus pícaras referencias a la película madre, sustituyendo su atmósfera gótica y malsana por coletazos del gore más digitalizado y menos impactante; por otro, con la aproximación que efectúa, en forma de falso homenaje, a la aventura de James Cameron, aportando una nueva y decepcionante heroína al aquelarre alienígena. Las dudas sobrepasan a las respuestas, las que menos interesan (al realizador, no a los curiosos espectadores) se olvidan en la sala de montaje (muy propio en el cine de Scott) y, al final, este batiburrillo de géneros, sin un núcleo sólido al que aferrarse, acaba jugando en tierra de nadie. Queda, eso sí, un empaquetado visual deslumbrante, pero completamente hueco. Los gritos en el espacio, nuevamente, tendrán que esperar.

EL CÍRCULO

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , on mayo 5, 2017 by Gonzalo Contreras

LA CARA OCULTA DE INTERNET

¿Se acuerdan de El show de Truman, la fábula de Peter Weir antesala cinematográfica del inefable y archiconocido Gran hermano? Estrenada en 1997, supuso una revolución por motivos que sobrepasaban los parámetros marcados por el celuloide: con enorme inventiva, y apoyada en un espectacular guion del, en otros tiempos, intuitivo Andrew Niccol, proponía un escenario demoledor en el que un individuo cualquiera, elegido por las manos del azar, podía convertirse en una mera atracción de feria televisiva por obra y gracia de los todopoderosos índices de audiencia. A pesar de que la calidad artística de la película sigue siendo incuestionable, con la hegemonía de internet, principalmente de las estructuras sociales, muchas de sus espeluznantes conclusiones se han difuminado por una causa más aterradora si cabe: gran parte de sus profecías, surrealistas entonces, son un hecho visible y constatable en la desvirtualizada sociedad actual.

Dos décadas después (y ya curados de espanto), EL CÍRCULO propone un ejercicio complementario al planteado por Weir en su excelente distopía, añadiendo los ingredientes informáticos propios de la era digital; ¿qué ocurriría si, en pos de la trasparencia, y de forma totalmente voluntaria, abriéramos la ventana de nuestra vida las 24 horas del día? ¿Las nuevas tecnologías podrían originar, definitivamente, la muerte de la privacidad individual y una transmutación de los sistemas dictatoriales?, son algunas de las preguntas que plantea un film de premisa tentadora, pero de resultados poco consistentes por términos puramente cinematográficos. La falta de personalidad de la cinta (adaptación del típico y mediocre best-seller del momento), su dudosa realización, más pendiente de rascar los triunfos conseguidos por la visionaria Black Mirror que de otorgar coherencia al conjunto, y el pésimo trabajo de su protagonista absoluta, la siempre sobrevalorada Emma Watson, entorpecen las brillantes ideas que, muy en la lejanía, se dejan percibir. No obstante, las reflexiones morales que presenta, todas relacionadas con los peligros que conllevan las redes sociales, de trasfondo perturbador y más creíbles de lo que su estética sensacionalista puede hacer creer, generan un debate tan interesante y efectivo que subsanan, en gran medida, su condición de mero entretenimiento ocasional.

Z, LA CIUDAD PERDIDA

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , on mayo 1, 2017 by Gonzalo Contreras

EXPLORANDO LO INEXPLORABLE

En, quizá, la escena más conmovedora de El hombre que pudo reinar, Sean Connery, tras ser descubierto como un falso dios, es conducido por sus súbditos a un puente desde el que será arrojado al abismo. En un extremo del mismo y también apresado, Michael Caine, compañero de fatigas, amigo y casi hermano, espera el fatal desenlace. La muerte acecha inminente, pero Connery, provisto de su traje y corona de rey, empieza a canturrear una vieja melodía irlandesa. Habla de reyes, de glorias, de honores, de espíritus libres. Su fiel escudero, con una emoción latente en los ojos, se suma al cántico con determinación. No hay tiempo para la tristeza, solo para la resignación. En la memoria, tan solo brillan las batallas épicas, los días de vino y rosas y la certeza de una existencia plenamente vivida por dos pícaros, como así orgullosamente se denominaban, que un día juraron convertirse en intrépidos aventureros. Y a fe que lo consiguieron.

La frase “En este momento no me cambiaba ni por el mismísimo Virrey si tuviera que olvidar mis recuerdos” resumía, con gran atino, la esencia de una película que, en plenos años setenta, justo cuando directores como Spielberg, Lucas o Scorsese proponían nuevas ramas expositivas a la cinematografía, daba un golpe sobre la mesa en favor de la epopeya más pura y tradicional. Con idénticos intereses, Z, LA CIUDAD PERDIDA, biografía de Percy Fawcett, oficial británico con el corazón dividido entre el amor que procesa a su familia y el que siente hacia Los nuevos mundos de Sudamérica, rescata el fantasma de un celuloide impensable en los tiempos que corren, rebosante de romanticismo y evocación, rememorando brillantemente el espíritu desmitificador (y crítico) de John Huston, el exotismo de Kipling (a quien se homenajea con un precioso poema), la psicología obsesiva e irreal de Herzog (la ópera en pleno pasaje selvático) y, en definitiva, la belleza implícita en el mejor cine de aventuras.

Modélica en su conjunto, sin imposiciones visuales propias de la ficción contemporánea e interpretada brillantemente por Charlie Hunnam y Robert Pattinson, camaradas de viaje y anhelos, esta extraordinaria cinta es, como la obra maestra de Huston, un sentido homenaje a los héroes derrotados, a los grandes exploradores que, con más ambición que fortuna, soñaron con quiméricos lugares por descubrir y cuyas hazañas, quién sabe por qué, quedaron un día relegadas al olvido. Tanto histórica como cinematográficamente.

GUARDIANES DE LA GALAXIA, VOL. 2

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , , , , on abril 24, 2017 by Gonzalo Contreras

ENTRETENIMIENTO SIN BRILLO

Entre tanto héroe desbocado con ínfulas trágicas propias de Christopher Nolan, reboots sin más preámbulos que la copia disfrazada con los nuevos aportes tecnológicos y secuelas cuyo único propósito radica en estirar la herencia de sus millonarias primeras partes, Guardianes de la galaxia se convirtió, para sorpresa de todos, incluyendo al que esto suscribe, en una auténtica rara avis dentro de un subgénero que, todavía hoy, no acaba de encontrar su sitio en el mapa cinematográfico actual. Era fresca, divertida, escandalosamente adictiva. Y brillante en su temática. Por primera vez en muchos años, la adaptación de los cómics de Dan Abnett y Andy Lanning, deudora de la creatividad conceptual de George Lucas, supo ofrecer un espectáculo único en su especie, a contracorriente y libre de pretensiones, plagado de apabullantes efectos visuales y referencias ochenteras adscritos a un guion que hacía del entretenimiento su máxima virtud.

Lo mejor de la divertida GUARDIANES DE LA GALAXIA, VOL. 2 reside, como ya ocurriera con la pieza germinal, en los dos preceptos que hicieran célebre al cómic de origen: por un lado, su espíritu indómito, descarado y declaradamente kitsch; por otro, y en mayor medida si cabe, la amalgama de referencias a emblemas, visuales y sonoros, de la cultura pop norteamericana, aprovechando cada escena para homenajear el ambiente desfasado y nostálgico de los años ochenta, desde la cinematografía más añorada (el Starman de John Carpenter, el Gizmo al que rinde tributo el adorable Baby Groot, el gran descubrimiento de la cinta) pasando por las no menos recordadas máquinas arcade.

Sin embargo, y entramos de lleno con los puntos negativos, en esta epopeya fallan demasiados aspectos. Perdido el factor sorpresa, y salvo en contadas ocasiones, la película no posee el nivel de estabilidad e imaginación narrativa de la primera entrega. Agotadora en sus dos inabarcables horas, presenta una multitud de subtramas sin una sólida en la que apoyarse y desprestigia algunos de sus aciertos de fábrica, confundiendo su característico gamberrismo con chistes de segunda y las alusiones melancólicas con secuencias de una chirriante melosidad, tanto que no sabes si está jugando en el terreno de la evocación o de la caricatura más inoportuna (al estilo de las últimas entregas de Fast & furious). Permanece la juerga, sí, pero falta, lamentablemente, el imprescindible golpe de gracia que la diferencie de la cantidad de propuestas similares que arrasan en cartelera.

LA EXCEPCIÓN A LA REGLA

Posted in Críticas (Estrenos) with tags , , , , , , , , , , , , , on abril 24, 2017 by Gonzalo Contreras

LOS AÑOS DORADOS DE HOLLYWOOD

Más recordado por sus interpretaciones en algunas de las grandes películas de la década de los sesenta (las insuperables Bonnie & Clyde y Esplendor en la hierba) y por su fama de sex symbol atemporal (se llegó a decir en los mentideros que Shirley McLane, su hermana mayor, fue la única estrella del momento en no caer rendida a sus encantos) que por su oficio de realizador, lo cierto es que, con tan solo cinco películas, el prolífico actor Warren Beatty ha sabido demostrar un talento incuestionable detrás de las cámaras. Su ópera prima, la encantadora El cielo puede esperar, remake de El difunto protesta, se vio recompensada con un éxito abrumador de público; Rojos, su mejor trabajo, le otorgó el beneplácito de la crítica mundial; la envejecidísima Dick Tracy le supuso un nuevo idilio con la taquilla, y Bulworth, quizá su cinta más incomprendida, con la comedia más ácida e inteligente. Como Gibson, Eastwood o Costner, es de los pocos actores en poseer un Oscar, curiosamente, a mejor director. Y, como ellos, se esfuerza por recuperar la llama perdida del clasicismo cinematográfico, demandando una narrativa acorde con las exigencias y los gustos de los cinéfilos más arraigados.

Álter ego de Howard Hughes, a quien rinde tributo en un largometraje superior, en todos los sentidos, a la inefable El aviador de Martin Scorsese, Beatty ha engendrado, con LA EXCEPCIÓN A LA REGLA, su particular película maldita, insólita comedia a medio camino entre el retrato evocador de la meca del cine en sus años dorados y la screwball norteamericana con pinceladas del más embriagador romanticismo. Eso sí, como buena película maldita que se precie, resulta curioso que, pese a su irregularidad, falta de magnetismo y montaje disonante (acorde, eso sí, con la personalidad inestable del propio Hughes), la cinta desprenda momentos de extrañísima belleza, implícita en las líneas de un magnífico guion que no encuentra cobijo en su traslación a la gran pantalla.

La cinta acierta en su primera hora, describiendo brillantemente “la fábrica de los sueños” y la corrupción moral a la que se ven sometidas las jóvenes promesas, de virginales y nobles intenciones, en tan poco puritano entorno. Sin embargo, cuando el personaje de Beatty y sus irritantes extravagancias asumen el control, aparece ante los ojos del espectador una película completamente nueva. Más atípica, más visceral, pero menos apasionante. La sintonía entre ambos tomos apenas se sostiene en el recuerdo, pero es de justicia señalar la valentía de un film que, asumiendo un corte manifiestamente clásico, se atreve a transgredir las reglas estipuladas en la actual industria hollywodiense.